P4. ALVAR AALTO

Silla 66 de Alvar Aalto

1. El objeto que hemos seleccionado para representar la filosofía de uno de los principales representantes del movimiento moderno, el arquitecto y diseñador finés Alvar Aalto (1898-1976), es una silla que el propio Aalto diseñó para la colección de mobiliario de la biblioteca municipal de Viipuri en 1935. Este objeto de mobiliario auna los principios de diseño del maestro escandinavo, pues está realizado en madera de abedul con lacado natural, material autóctono empleado por Aalto en numerosas obras; la función determina la forma, el diseño se realiza teniendo en cuenta el futuro contexto del objeto; es de fácil estandarización y su belleza resulta de su simplicidad y la armonía entre funcionalidad y forma. Destaca el sistema de enganche de las patas con la plancha, muy novedoso para la época.

2. La silla había sido diseñada para la biblioteca de Viipuri, también obra de Alvar Aalto, junto con otros objetos de mobiliario. Aalto buscó en el diseño de toda la colección recoger la tradición nórdica, sobre todo en el uso de materiales autóctonos como la madera, para así crear una sensación de encanto y calidez humana en el edificio a través de un diseño moderno, funcional y orgánico. Situó el corazón de la biblioteca en las áreas de lectura y préstamo, zonas en las que se encuentran estas sillas. Aalto siempre tuvo en cuenta en sus proyectos el contexto, la función social y las necesidades económicas, técnicas y humanas de las personas que iban a trabajar, vivir o utilizar alguno de sus diseños. De esta forma, la silla y el resto de la colección forman parte de una escala mayor, la biblioteca, conformando una unidad armónica, funcional y estética.

Interior biblioteca Viipuri

3. El modelo de silla 66, denominada así por su referencia en el catálogo de productos de Artek, fue diseñada en exclusiva para la biblioteca de Viipuri. Su obra estaba orientada a trascender las divisiones nacionalistas capturando el espíritu de la industrialización. Así en los países nórdicos alrededor de 1920 surgió un impulso semejante, dónde arquitectos adoptaron los valores supuestamente eternos: claridad en la forma, proporciones elegantes y poca ornamentación. En este caso, si sacas la silla del contexto de la bibliteca, también podrías usarla perfectamente dentro de una cocina, para un aula, etc. Es una silla muy simple y teniendo en cuenta la decoración austera de la biblioteca encaja a la perfeccion, dado que "simplicidad llama a simplicidad".

4. Normalmente las obras están diseñas y pensadas para ocupar un espacio concreto de tal manera que exista de relación de equilibrio entre contexto y obra. Nuestra perspectiva en este tema es que, dependiendo de la ubicación y del contexto, una obra puede perder el sentido y sus propiedades originarias e incluso puede romper la armonía del entorno que la rodea, es decir, lo que es bello en un contexto determinado, puede no serlo en otro diferente.

5.

Imágenes de desajustes

P3. BAUHAUS

Walter Gropius (1883, Berlín – 1969, Boston) fue el fundador de la escuela Bauhaus en 1919, la primera en la que se estudió y enseñó diseño industrial. Fue uno de los principales representantes del modernismo de principios del siglo XX y la Bauhaus fue su principal obra, en cuyo desarrollo se volcó para lograr el reconocimiento de la escuela y de sus principios de diseño. El objetivo de Gropius en la escuela fue aunar el arte con la tecnología moderna, con el fin de obtener un diseño asequible para todas las clases sociales. Estos principios básicos se desarrollan en el texto proporcionado y los describimos a continuación:

• Ruptura con lo tradicional
  Rompiendo con los moldes del pasado y aprovechando las nuevas posibilidades que le ofrecen los medios actuales, el hombre debe adecuar los objetos de uso cotidiano a las tendencias del momento.
• Función antes que forma
  Los objetos vienen determinados por su función, a partir de la cual se determina posteriormente su forma.
• Simplicidad
  Según la filosofía de la Bauhaus, los objetos deben de limitarse a cumplir su función siguiendo formas geométricas simples, que faciliten su comprensión, huyendo de la ornamentación y los accesorios innecesarios.
• Estandarización
  Para facilitar la producción, la Bauhaus propone la creación de modelos estándar para los objetos cotidianos.
• Producción mecanizada, en serie y de calidad
  Estos factores provocan que los productos diseñados por la escuela sean rentables, sin defectos de fabricación, de una calidad reconocida, etc.
• Investigación
  Una de las principales labores de la escuela fue la investigación en todos los campos de la ciencia y las artes, otorgando gran importancia a la formación de sus alumnos.

En 1930 la escuela sufre un cambio en la dirección, que es asumida por Mies van der Rohe, quien, durante su dirección, provoca numerosos cambios en la escuela que también se manifiestan en el programa de estudios, en el que, la arquitectura pasa a ser la disciplina principal de la escuela y se suprimen los talleres de las demás artes.

Mies busca la elegancia en los objetos a través de un cuidado exquisito de las proporciones y el detalle. Concedía gran importancia a la técnica, la distribución de los espacios y la estética, que representaba a través de los materiales de la época, buscando siempre la armonía entre materiales, proporciones y espacios.

El objeto que hemos seleccionado para ejemplificar los principios de diseño de la Bauhaus, se trata de la cuna mecedora de Peter Keler de 1922 de madera y acero lacado. Hemos elegido este objeto porque representa claramente los principios de la escuela manifestados en el texto como la simplicidad formal (cuadrado, círculo, triángulo), función antes que forma, ruptura con lo tradicional (diseño innovador) e investigación. Está considerada una obra de arte por ser reconocida como el objeto existente más parecido a un cuadro de Kandinski.

Cuna mecedora de Peter Keler de 1922

Fuentes: http://www.arqhys.com/

http://personal.telefonica.terra.es/web/signosmaster/bauhaus.htm

P2. ESTÉTICA DE FRANK GEHRY

Frank Gehry (Toronto, 1929), es uno de los arquitectos más reconocidos de la actualidad. Influenciado por el cubismo y la obra de Alvar Aalto, rompe con las reglas de la arquitectura del momento aprovechando las numerosas posibilidades que ofrecen los nuevos materiales y las nuevas tecnologías otorgando un mayor grado de libertad compositiva a la arquitectura, hasta ahora desconocido. Del mismo modo que anteriormente había hecho Le Corbusier, Gehry experimenta e innova con nuevas formas y materiales que le permiten expresarse de una manera mejor a través de los cuales logra crear sensaciones y emociones en el observador.

Su obra a menudo ha sido incluida dentro de la arquitectura deconstructivista, surgida durante la década de los 80, que se caracteriza por la libertad en la utilización de formas complejas que representan una especie de "caos controlado". Una de las obras más representativas de esta arquitectura, eso que todavía se encuentra en fase de construcción, es la Ciudad de la Cultura de Galicia, situada en Santiago de Compostela y diseñada por el arquitecto estadounidense Peter Eisenman.

Maqueta de la Ciudad de la Cultura de Galicia

A pesar de que su obra es evidentemente innovadora, Gehry también respeta lo tradicional o clásico, pues consigue que sus obras entren en armonía con el entorno. Ha conseguido llevar la estética y el arte a la arquitectura y a los grandes espacios creando corrientes visuales entre las distintas formas complejas que componen sus obras, pero que sin embargo, son concebidas como un todo. También destaca la importancia que el artista concede a la luz en sus obras que, al incidir sobre las diferentes superficies y ángulos, reproducen multitud de efectos que atraen la atención del público.

En definitiva, Frank Gehry es un innovador de la arquitectura contemporánea, rompiendo las barreras de la física y aplicando el arte y la estética a sus obras, siempre orientadas hacia la funcionalidad, que consiguen impactar en el espectador que no puede quedarse indiferente ante lo que observa. Introduce además, una nueva visión de la estética como la belleza de un conjunto de curvas imposibles que conforman un todo que entra en armonía con el entorno que lo rodea. En sus propias palabras, "la belleza está en el ojo, no importa qué se esté mirando, si un edificio o una escultura".

P1. PRINCIPIOS FUNDAMENTALES DE LA CABECERA

1. Expresionismo: es una corriente artística de principios del siglo XX que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva.

2. Fondo: el fondo es un conjunto de trazos de diversos colores realizados con pincel que representan las emociones y sentimientos del autor en un instante concreto en el tiempo.

3. Colores vivos: se han empleado multitud de colores vivos en la cabecera del blog, símbolo de de la energía y fuerza psicológica que define la personalidad del grupo.

4. Imaginación: dado que el fondo lo componen trazos de pincel y no formas geométricas definidas, estos permiten la libre imaginación, pues cada observador puede ver diferentes elementos en el fondo, desde una persona corriendo en el centro hasta multitud de peces nadando.

5. Tipografía: se trata de tipografía sin serif seguiendo un ligero toque minimalista, reduciendo la importancia del texto a lo esencial, transmitir información, evitando ornamentación innecesaria y sin quitar protagonismo al fondo de la cabecera.